Día y Noche de Antonio López

Como ya sabréis ayer se instalaban las esculturas "Noche y Día" de Antonio López García en la Madrileña estación de atocha. Mucha gente asistió a la instalación de las mismas, en la cual se podía ver al artista muy contento y emocionado.

Las obras representan a la nieta del autor con sólo unos meses de edad. En "Día" la niña atenta y despierta mira hacia los espectadores, mientras que en "Noche", duerme tranquilamente. Ambas esculturas crean una sola obra, completándose mutuamente. Ya estoy deseando acercarme a la estación para poder disfrutar de estas obras de primera mano.

Visto en el mundo.
Imágenes vía el mundo.

Una semana más y para esta ocasión, nos acercamos a Carmen Sanzsoto (web personal), artista expresionista residente en Barcelona.


Carmen: "He pasado por muchas etapas, todas ellas en una concepción mas o menos abstracta pero fuertemente enmarcada en el expresionismo, no es cuestión de estilos o de etapas si no de necesidades, es un grito de protesta de inconformismo, un ir más allá… "



P: Hola Carmeta, para comenzar creó que lo mejor es que nos cuentes algo sobre ti, hablanos de tu infancia, de tu vida, de cuando descubriste que querías ser artista.
R: Mi infancia vista en el tiempo fue una infancia introvertida, poco comunicativa, llena de fantasías, de preguntas sin respuestas, empleaba mi tiempo en ingenios mil para llevar a la práctica lo que yo de aquella llamaba inventos, sentía gran curiosidad por todo aquello que de alguna forma podía manipular y reconvertir en nuevas formas, creo que de aquella me hubiera gustado ser alquimista.

P: ¿Siempre tuviste claro que te querías dedicar al arte?
R: No, no puedo afirmarlo, necesitaba dejar constancia de mis fantasías en un papel o cualquier otro medio que tuviera a mi alcance y lo encontraba normal, aun no sabia lo que era el arte, tuve verdadera consciencia de que mi vida era el arte cuando accedí al mundo de la escuela y me sentí en mi casa.

P: ¿Como te iniciaste en la pintura?
R: Difícil pregunta de recordar, posiblemente cuando me regalaron mi primera caja de óleos.

P: ¿Has trabajado o indagado en otras técnicas además de la pintura?
R: Desde luego, me apasiona todo lo que no conozco, dominar nuevas técnicas hacerlas de alguna forma mías, he trabajado esmaltes al fuego, grabado, tapices, técnicas digitales… aunque después siempre vuelva a mis raíces, la pintura.

P: En referencia a tu evolución pictórica, actualmente, tus obras están fuertemente enmarcadas en el expresionismo, ¿cuantas etapas has pasado o cuanto ha ido cambiando tu obra hasta llegar ahí?
R: He pasado por muchas etapas, todas ellas en una concepción mas o menos abstracta pero fuertemente enmarcada en el expresionismo, no es cuestión de estilos o de etapas si no de necesidades, es un grito de protesta de inconformismo, un ir más allá… la forma, la manera en que llevamos nuestro hacer a la tela depende simplemente de los elementos con los que nos sentimos mas identificados


P: Tu obra vibra y esta llena de fuerza, ¿que es lo que quieres enseñar con tu trabajo? Tienes algún mensaje o concepto a transmitir a todo aquel que contempla tu obra?
R: Algo complejo de explicar, no hay nada que no lleve implícito un mensaje, el arte como alternativa, como forma de interpretar la vida siempre va más lejos de la comprensión de nuestra propia existencia, es lo que yo siento sin lógica alguna que lo avale y ese sentir es el que me gusta trasladar a la tela

P: ¿Crees que tienes fuertes influencias con respecto a otros artistas y obras? Hablanos un poco de ello.
R: Hay obras de arte cuya sola contemplación me emociona con independencia de la tendencia que en ellas se refleja y algo queda impreso sin duda en nuestra retina y en nuestro recuerdo, un rictus… un contraste… un color…, nuestra propia vida, los acontecimientos en la que esta se formó, habría que ser ciego sordo y mudo para que ello no sucediera, pero a la vez careceríamos de esa gran riqueza que nos es dada a diario, ¿pero como interactúa el entorno en cada uno de nosotros? Esa es la piedra angular, el gran reto, la gran aventura de encontrarse a uno mismo y es lo que yo busco en mi trabajo.

P: ¿Estas influencias se solapan con tus artistas favoritos? ¿Nos podrías hablar de ellos y decir en que forma te han influido pictóricamente?
R: Parte de la respuesta ya casi ha quedado reflejada en la anterior pregunta…, mis artistas favoritos… ¿y quien no los tiene?... verás, cuando una obra me motiva necesito adentrarme en la misma, saber todo lo posible no solo sobre la obra en particular si no sobre todo el trabajo del artista y sobre sus motivaciones, lo que le lleva a expresarse como lo hace, comparar hasta formas de trabajo y ante ese minucioso estudio, aun no queriendo ¿quien podría quedar libre de alguna influencia?

P: Cambiando un poco de tema, sabemos que eres licenciada en Bellas Artes por la Universidad de Barcelona, ¿como crees que te han influido tus estudios en tu forma de entender y comprender el arte? ¿Has tenido algún profesor que te haya influido en esto y en la consecución de tu estilo?
R: Primero habría que situarse en la escuela de entonces, donde en el conjunto del profesorado predominaban los artistas, poco más de 30 alumnos por curso, con lo que las aulas mas pronto se convertían en nuestro propio taller de trabajo, fue un tiempo de autodisciplina, de aprendizaje tanto venido de los profesores como de nuestros propios compañeros y era esa pluralidad de modos y maneras lo que hacia mas comprensible el significado del arte. Aun así tuvieron que pasar años para entenderlo, a veces hasta las libertades son difíciles de asumir, así que todos de alguna forma influyeron aunque agradezco que no quisiera hacerlo ninguno.


P: Hablando de la técnica: ¿Realizas investigaciones o bocetos previos antes de comenzar una obra?
R: A veces pienso que debería, pero no disfrutaría el trabajo de la misma manera, me gusta enfrentarme a ese miedo que me da la tela en blanco con solo la idea de lo que quiero conseguir en mi cabeza.

P: ¿Nos podías hablar del procedimiento que empleas en tus obras?. Preparación, desarrollo y acabado.
R: Suelo emplear técnicas mixtas en las que hay un poco de todo, trabajo con espátulas con pinceles, con las manos en fin con todo lo que tengo a mi alcance, pero necesito darle una buena preparación a la tela para poder trabajar la pintura con fluidez, los acabados siempre resultan los más aburridos cuando ya está conseguido el cuadro

P: ¿Que sientes cuando has terminado una obra?
R: Paz

P: Algunos artistas dicen que una obra nunca se acaba totalmente sino que simplemente decides darla por terminada, ¿que piensas a ese respecto?
R: Lógicamente una obra siempre podría ser objeto de múltiples modificaciones, pero dejaría de ser esa obra para pasar a ser otra, yo considero terminada una obra cuando cualquier gestualidad que quisiera colocar sobre la misma la siento como superflua.

P: ¿Tienes obras inacabadas?
R: No, no me gusta dejar obras a medias, prefiero destruirlas

P: Supongo que el arte es toda tu vida, ¿que pasaría si no pudieras continuar pintando? ¿Que otra profesión elegirías?
R: A día de hoy, si puedo afirmar que el arte es toda mi vida, si no pudiera pintar buscaría cualquier otro medio de expresión que me permitiera seguir avanzando en el.

P: ¿Has tenido malos momentos artísticos en los que hubieras decidido dejar la pintura de lado?
R: Artísticos desde luego no, pero imagino que como todos he pasado por tiempos en que me ha sido imposible dedicarme por entero a la pintura

P: ¿Tienes algún reto o meta que te gustaría alcanzar?
R: Acceder a grandes espacios para poder trabajar mis obras

P: Unas cuestiones rápidas:
Un artista: Bacon
Una ciudad : Donde nací Barcelona
Un sueño: Una gran obra

P: De todo tu trabajo, ¿cual es tu obra favorita o a la que más cariño tienes?
R: La última que estoy realizando

P: ¿Nos podrías dar un adelanto sobre lo que estas trabajando?
R: En estos momentos estoy trabajando sobre una obra de gran formato de aproximadamente dos metros y medio por cuatro cuyo tema es “Los amantes”.

P: Para terminar, ¿Tienes alguna anécdota que quisieras compartir con todos nosotros?
R: Soy tremendamente despistada, con lo que las anécdotas en mi vida ya pasaron a ser cosas normales, pero en este momento no recuerdo ninguna así como muy especial.

Muchas gracias Carmen por esta fantástica entrevista, y esperamos sinceramente que todas tus metas se cumplan.

El Coloso de Asensio Juliá

Tras varios meses de investigaciones, el Museo Nacional del Prado ha hecho un comunicado esta mañana diciendo que la obra El Coloso atribuida a Francisco de Goya no pertenece al mismo, sino a un amigo y colaborador, el pintor valenciano Asensio Juliá.

Los encargados de la autentificación y de la explicación de la autoría del cuadro son Gabriele Finaldi, Director Adjunto de Conservación del Museo, Manuela Mena, Jefe de Conservación de Pintura del siglo XVIII y Goya, y José Luis Díez, Jefe de Conservación de Pintura del siglo XIX. El hecho clave que ha hecho atribuirle esta obra al pintor valenciano es el haber encontrado las iniciales A.J en la base inferior izquierda.

Igualmente, las investigaciones en torno al cuadro continuarán, siendo dadas las conclusiones definitivas en unos meses en el boletín del Museo del Prado.

Como en cada edición PhotoEspaña hace entrega de unos premios a artistas, especialistas y entidades vinculadas al mundo de la fotografía. A continuación os dejo la lista de los premiados este año:

El Premio PHotoEspaña Baume & Mercier 2008 ha sido para Martin Parr como reconocimiento a su trayectoria profesional y a su influencia en la fotografía contemporánea gracias a su trabajo sobre la clase trabajadora britanica.
El Premio Bartolomé Ros ha sido concedido al fotógrafo Ricard Terré.
La galería Moriarty obtiene el Premio Festival Off Saab por la exposición de Nicolás Combarro Línea de sombra.
El Premio del Público M2-El Mundo ha sido concedido al Teatro Fernán-Gómez. Centro de Arte / Fundación Banco Santander por la exposición W. Eugene Smith. Más real que la realidad.
El Premio Descubrimientos PHE Epson es para Yann Gross que expondrá individualmente su trabajo en PHotoEspaña 2009.
El Premio Revelación Room Mate Hotels ha recaido en Germán Gómez.
Olivia Arthur es la ganadora del Premio PHotoEspaña OjodePez Volkswagen de Valores Humanos.
El Premio al Mejor Libro de Fotografía del año ha recaído en Marín de Fundación Telefónica y A Maysles Scrapbook Photographs/Cinemagraphs/ Documents, editado por Steidl y Steven Kasher Gallery en las categorías nacional e internacional respectivamente. La editorial Twin Palms ha sido reconocida como Editorial Destacada del Año.

Visto en la web dePhotoEspaña2008
Fotografía: web de PhotoEspaña 2008.

Una vez más nos acercamos a los artistas de la comunidad de meseon. Hoy hablamos con Mirta Benavente, artista plástica ubicada en Argentina.

Mirta: "Me considero curiosa y atenta a todo lo que me rodea, mi comunidad, a la problemática humana en general sin embargo a la hora de explicar porque me habitan unas imágenes y otras no, me resulta imposible conceptualizarlas, pero estoy segura que resumen mis inquietudes y mi mundo interior."



P: Hablanos de ti Mirta, ¿Quién es Mirta Elena Benavente? ¿Podrías definirte rápidamente para que la comunidad de meseon te conociera mejor?
R: No me resulta fácil definirme, pero creo ser una artista plástica que plasmo con mis pinceles una búsqueda permanente de equilibrio entre sueño y realidad.

P: Nos podrías contar algo acerca de tu trayectoria artística, los principios, la dificultad, tu primera exposición. Hablanos acerca de tu pasado, tu infancia y tu vida en Argentina.
R: Desde que tengo memoria me recuerdo dibujando, estudié en la escuela de Arte Martín Malharo en la ciudad de Mar del Plata donde pasé mi infancia y mi adolescencia.
Con respecto a mi país, seguramente en ningún lugar es fácil que los artistas encuentren apoyo e interés, pero en Argentina es casi imposible.

P: ¿Recuerdas tus inicios en la pintura?
R: Creo que como la mayoría mis comienzos fueron pintando limones y retratos hasta intuir el camino para decir lo que siento a través de la textura, la sombra, el color y poder volcar mis emociones y mis incertidumbres.

P: ¿Siempre has estado interesada en el arte?
R: Me interesa el arte en casi todas sus representaciones, sobre todo soy una lectora incansable, amo y disfruto la música pero a la hora de expresarme uso mis pinceles.

P: Hemos visto por medio de tu usuario en meseon, que todas de tus obras son pintura, ¿Practicas otra técnicas además de esta?
R: No, solo pintura. En otras épocas dibujaba mucho con grafito y carbonilla también pintaba con óleo, hoy actualmente solo utilizo pigmentos al agua que mezclo con todo tipo de materias (polvo de mármol, de cuarzo etc.)

P: Cambiando un poco de tema, ¿Cuales son tus artistas favoritos? ¿ Crees que han influido en tu trabajo?
R: De alguna forma siempre recibís influencias genéricas. Por nombrar algunos Kandiski, Paul Klee, Delaunay, entre muchísimos.

P: Mediante tu obra, ¿Tienes algún mensaje a transmitir a tu público?
R: Me considero curiosa y atenta a todo lo que me rodea, mi comunidad, a la problemática humana en general sin embargo a la hora de explicar porque me habitan unas imágenes y otras no, me resulta imposible conceptualizarlas, pero estoy segura que resumen mis inquietudes y mi mundo interior. No intento dar ningún mensaje específico con mi trabajo, la mayoría de mis obras no tienen titulo precisamente para no influenciar a quien las mire, en muchas oportunidades he quedado asombrada por la devolución y las interpretaciones de la gente, sin lugar a dudas completan la obra de un pintor.

P: ¿Tus enseñanzas o estudios te han influido en tu estilo o se considera más autodidacta en la consecución del mismo?
R: Seria mucha ingratitud no reconocer las enseñanzas de algunos maestros que han sido muy importantes para mi en cuanto a la técnica pero a la hora de realizar una obra me inclino por la intuición.

P: ¿Realizas investigaciones antes de comenzar a desarrollar una obra?
R: Siempre idealizo trabajar en series y trato de proponérmelo, pero a la segunda obra ya hay otra obsesionándome y así trabajo en un montón de series inacabadas que retomo según las épocas.

P: Nos podías hablar del procedimiento que empleas en tus obras. Preparación, desarrollo y acabado
R: Según el trabajo que este realizando puedo hacer bocetos y pruebas de colores que comienzan con idea general pero siempre derivan en algo diferente.

P: ¿Que sientes cuando has terminado una obra?
R: Ya estoy pensando en la próxima

P: Algunos artistas dicen que una obra nunca se acaba totalmente sino que simplemente decides darla por terminada, ¿que piensas a ese respecto?
R: Si me sucede en muchas ocasiones.

P: ¿Tienes obras inacabadas?
R: Si, varias.
P: ¿Tienes pensado dedicar al arte toda tu vida? En el supuesto de que no pudieras continuar ¿cual sería el oficio o actividad que desarrollarías en su defecto?
R: Es inevitable dedicarme al arte, cuando por alguna circunstancia dejo de pintar por un corto tiempo lo vivo con mucha angustia.

P: ¿Has tenido malos momentos artísticos en los que hubieras decidido dejarlo todo?
R: Nunca he decidido dejarlo, ni en los peores momentos económicos.

P: ¿Tienes algún reto o meta que te gustaría alcanzar?
R: Me gustaría vivir exclusivamente de mi pintura.

P: Unas cuestiones rápidas:
Un artista: Velázquez
Una ciudad: Nueva York
Un sueño: No dejar nunca de aprender.

P: De todo tu trabajo, ¿cual es tu obra favorita o a la que más cariño tienes?
R: Actualmente mis obras favoritas siempre son las últimas que termino, pero tengo un cariño especial por mi pintura abs4 porque me trajo muchas satisfacciones por las críticas y las múltiples interpretaciones que ha tenido.

P: ¿Nos podrías dar un adelanto acerca de lo que estas trabajando actualmente?
R: Estoy trabajando sobre la serie Monstruos Alegres y divertidos, unos seres bastantes coloridos pero monstruos al fin.

P: Para terminar Mirta, ¿tienes alguna anécdota que quisieras compartir con todos nosotros?
Me siento feliz de formar parte de esta comunidad de artistas y deseo lo mejor para
Meseon. Un saludo grande desde una convulsionada Buenos Aires.

Muchas gracias Mirta, igualmente te deseamos lo mejor desde meseon.

En esta ocasión hablaremos del polémico y controvertido artista Maurizio Cattelan y su también polémica y emblemática obra "La Nona Hora, 1999". En esta obra, como podemos ver en la imagen, aparece la figura del papa tumbado en el suelo, el cual ha sido golpeado por un meteorito. Asimismo en la instalación vemos cristales rotos producidos por el impacto que el meteorito hubiera producido en el techo.

Esta obra como es de esperar creo una enorme polémica, y yo me pregunto, ¿no será eso lo que precisamente quería conseguir el artista?. Como podemos ver, todo el trabajo que realiza Cattelan gira entorno a la pólemica, caricaturiza e ironiza acerca de temas políticos, religiosos, temas que pueden herir la sensibilidad de las personas, no podemos olvidar las esculturas de niños colgados por el cuello expuestos en diferentes museos del mundo.

Aquí os dejo esta frase, tal vez nos ayude a entender mejor su trabajo:
Maurizio Cattelan: "Para ser vencido, el poder debe ser abordado, recuperado y reproducido hasta el infinito"1

1: Bibliografía: Art Now, Taschen. Pag, 90.

Os recomiendo que leáis esta interesante entrevista a Nicholas Penny, director de la National Gallery de Londres que he visto está mañana en el pais.

¿Que pensáis acerca de lo que dice? ¿Creéis que los museos deben ser una fuente de conocimiento o de espectáculo? ¿o que ambas opciones son buenas, siempre que haya un equilibrio? ¿No deberían los museos estar más abiertos a los jóvenes y a sus intereses? ¿No habría que apartar la imagen del museo como lugar elitista, para que todas las personas se vean capaces de disfrutar de una jornada de arte? Os dejo estas preguntas para que reflexionéis.

Visto en el Pais.

De nuevo, una semana más nos acercamos a los artistas de meseon. En esta ocasión a la artista expresionista Mª Jesús Hernández (web personal), licenciada en Bellas Artes por la Universidad de Granada.

Mª Jesús: "Cuando termino mi trabajo deja de ser mío y pasa a ser de quien lo ve,
lo que me gustaría es que la gente se sumergiera en él y paseara por el
interior de mis cuadros".

P: Para comenzar con la entrevista, y como viene siendo un clásico: ¿Quién es Mª Jesús Hernández? Podrías definirte para que la comunidad de meseon te conociera un poquito mejor?
R: Creo que es la pregunta más difícil, soy artista, expresionista, así que quizá se me conozca mejor viendo mi trabajo. Mi obra es un reflejo de mi personalidad.

P: ¿Desde cuando has estado interesada en el arte?
R: Me recuerdo desde muy jovencita viendo un libro en la biblioteca: ”El arte hoy”, lleno de imágenes de arte contemporáneo, ese libro no se prestaba, sin embargo la bibliotecaria me dejó llevármelo varios fines de semana a mi casa, viendo la fascinación que me producía.

P: ¿Como y cuando te iniciaste en la pintura?
R: Creo que con 11 años empecé a dibujar sin parar, me pasaba las clases dibujando, componiendo, siempre he encontrado mi camino en la abstracción, me identificaba mejor, mi obra era más personal y reflejaba más lo que yo quería decir.
Luego estudié Bellas Artes y en medio de una crisis me especialicé en restauración, eso me dio otra perspectiva y me acercó a un arte clásico en el que yo nunca había profundizado tanto, aprecié el preciosismo en el trabajo.

P: ¿Practicas otras técnicas diferentes a la pintura, como escultura, fotografía o instalaciones?
R: Creo que ser artista no es sino buscar otros medios de expresión, a veces me sirve la pintura, a veces me sirve la foto, y cuando tengo la oportunidad de intervenir en un espacio disfruto muchísimo. Pero sigue siendo la pintura lo que tengo más próximo a la hora de trabajar y lo que me permite sumergirme mejor en mi trabajo y me da más satisfacciones


P: Las influencias artísticas siempre están presentes en las obras de arte, ¿nos podrías decir cuales son los artistas que más han influido en tu obra? ¿son los mismos que tus favoritos?
R: Sí son mis favoritos, Gerhard Richter, friedrich, Hockney, Fra Angélico, Zobel, Rothko, me gusta pensar que mi obra es un diálogo con la suya.

P: ¿Tienes algún mensaje especial que quieras transmitir a las personas que ven tu trabajo?
R: Cuando termino mi trabajo deja de ser mío y pasa a ser de quien lo ve, lo que me gustaría es que la gente se sumergiera en él y paseara por el interior de mis cuadros. Todos los cuadros son paisajes en los que pasear.

P: Hemos visto que en tus obras añades oro, plata y cobre a la manera del Siglo XV. ¿Por que utilizas esta técnica en particular?
R: Para mi es una conversación entre dos épocas, en España crecemos rodeados de oros barrocos, góticos y románicos, crecemos entre arte, antes de saber lo que es arte, y generalmente esto produce una saturación y cierto desprecio por un trabajo que cuando se conoce se valora. Pero por otra parte soy una artista de mi tiempo, así que retomo una antigua técnica con un trabajo actual.
Yo utilizo esta técnica también como una aproximación al bastidor, el tiempo que me lleva preparar el soporte me ayuda a reflexionar sobre el trabajo que tengo pensado, me ayuda a formar parte del espacio de trabajo.
Pero esta forma de trabajo no es necesaria y no la he utilizado siempre, es circunstancial, considero que un artista no lo es por la técnica que desarrolla, es sólo un medio.

P: ¿Crees que tus enseñanzas o estudios han influido en tu obra de una manera importante o te consideras más autodidacta en la consecución de un estilo propio?
R: Soy un conjunto de mi propio aprendizaje, pero no autodidacta.

P: ¿Realizas investigaciones antes de comenzar a desarrollar una obra?
R: Sí, me gustan los materiales, utilizo maquetas que me sirven como aproximación a un trabajo que pienso desarrollar.

P: Cuentanos un poco sobre el procedimiento que empleas en tus obras. Preparación, desarrollo, etc.
R: Con el bastidor lo primero que hago es dar una mano de pintura, que me sirve como preparación para el posterior dorado o plateado, una vez cubierto el bastidor con oro o plata, lo protejo con una capa de barniz y sobre ella trabajo con tempera, y/o tinta, parto de una idea de lo que quiero conseguir, y como la tempera es fácil de limpiar, si veo que no está a mi gusto tengo la opción de limpiar la superficie y volver a empezar.
Al final dejar secar, hay veces que una vez seco retoco partes o lo borro completamente, y otras vuelvo a barnizar y lo doy por terminado.

P: ¿Que sientes cuando has terminado una obra?
R: Depende, a veces satisfacción, otras tengo que dejar la obra a la vista y reflexionar, y hay ocasiones en que esta reflexión posterior no la pasan y hay que volver a empezar. Hay ocasiones en los que la propia obra me sorprende.

P: Algunos artistas dicen que una obra nunca se acaba totalmente sino que simplemente decides darla por terminada, ¿que piensas a este respecto?
R Creo que las obras responden a un momento, y que si tras la reflexión he decidido darla por acabada no tiene sentido retocarla pasados los años. También pienso que no doy por acabada una obra si no considero que lo esté, y que no hay que tener respeto al propio trabajo, ni miedo de dar marcha atrás o de estropear algo.

P: ¿Tienes obras inacabadas?
Tengo obras sobre las que estoy reflexionando, alguna no va a sobrevivir, pero la solución no es volver a trabajar sobre ella, es volver a empezar.

P: ¿Tienes pensado dedicar al arte toda tu vida?
R: Absolutamente si, no es sólo una actividad, es una forma de ver y entender, una sensibilidad.

P: ¿Has tenido malos momentos artísticos en los que hubieras decidido sino dejarlo todo, por lo menos dejarlo de lado por algún tiempo?
R: Este es un trabajo duro y solitario, el encontrar un camino personal supone una investigación, y es un trabajo difícil desde lo económico, los apoyos son pocos, pero no se me ocurre otra cosa que pudiera hacer.

P: ¿Tienes algún reto o meta que te gustaría alcanzar?
R: Vivir desahogadamente de mi trabajo como artista.

P: Algunas cuestiones rápidas:
Un artista: Gerhard Richter
Una ciudad: Seguramente NY, pero me faltan muchas por conocer.
Un sueño: Tener el trabajo repartido por el mundo

P: ¿De todo tu trabajo cual es tu obra favorita o a la que más cariño tienes? ¿Por que?
R:En general estoy entre la última y la próxima, más cerca de la que estoy empezando. Pero hay muchas que son especiales para mí.

P: Actualmente, ¿nos podrías dar un adelanto sobre lo que estas trabajando?
R: Continuo con mi investigación con el color, estoy preparando una obra a modo de puzzle, una obra cambiante en la que poder cambiar el orden de las piezas, partiendo de los colores de mi propio pantone.

P: Para terminar Mª Jesús, ¿tienes alguna anécdota que quisieras compartir con todos nosotros?
R: La primera relación con el trabajo artístico que recuerdo consistía en dibujar un limón, debía tener 5 o 6 años y al dibujarlo hice una reflexión, “me podré dedicar a cualquier cosa menos a esto”.

Muchas gracias Mª Jesús por tu tiempo y esperamos que todas tus metas se cumplan.

'Simplifed Mirror Labyrinth I', del danés Jeppe Hein. (Foto: EFE)

El Castillo de Sudeley en Gloucestershire, al sureste de Inglaterra, acoge la exposición "The Artists Playground" en la que participan 15 artistas contemporeráneos, la cual les ha permitido la vuelta a su infancia por medio de sus obras y trabajos. La muestra esta compuesta por una serie de esculturas e instalaciones situadas en los jardines, hasta el día 31 de Octubre de 2008.

Entre los artistas podemos encontrar a Jeppe Hein, Michael Craig-Martin, Piotr Uklanski y Kevin Francis Gray entre otros. Si os interesa esta exposición y queréis saber más de la misma os aconsejo le echéis un vistazo a este artículo en el mundo.

Visto en el Mundo.

Nuevamente, una semana más nos acercamos a los artistas de meseon. En esta ocasión conoceremos a Jorge Villalba, (web personal) artista de origen español afincado en Alemania.

Jorge Villalba:

"La magia en una obra, la emoción, el carácter, el espíritu, lo pone el
propio artista a través de sus vivencias y nivel intelectual y aquí no
hay Facultad de Bellas Artes que valga".

P: Como ya es costumbre en las entrevistas de meseon comenzaremos con la típica pregunta: ¿Quién es Jorge Villalba? Podrías definirte rápidamente para que la comunidad de meseon te conociera un poquito mejor.
R: Si me tuviese que definir rápidamente dentro de lo que es el arte diría que soy un buscador ambicioso que nada en un inmenso océano de pensamientos y contradicciones.

P: ¿Desde cuando has sentido interés en el arte?
R: Que yo recuerde desde siempre.

P: ¿Como te iniciaste en este apasionante mundo que es la pintura?
R: Mi abuelo era pintor y mi madre me lo puso todo a mi alcance, ella estaba muy orgullosa de que me pareciese a su padre, así que su niño se pasaba el día entero haciendo dibujitos. Mi otro abuelo era militar, fue el que me crió y educó, el hubiese preferido que me hiciese cura, abogado o catedrático, gracias a Dios me salí con la mía y aunque bien poco aprendí (y digo bien poco porque haciendo honor a la verdad más bien desaprendí) conseguí matricularme en Bellas Artes.

P: ¿Practicas otras técnicas además de la pintura?
R: Sí, escultura, hago muchísima fotografía y ahora estoy comenzando una serie de dibujos a carbón de gran formato.

P: ¿Cuales son los artistas que más te han influido? Y, ¿tus favoritos? ¿Coinciden?
R: Los artistas que me han podido influir y que cuentan como mis favoritos podrían ser Diego Velázquez, Antonio López, Helnwein, Gustav Klimt… etc por cierto un artista español, que me ha llamado bastante la atención últimamente es Golucho, sensacional.


P: ¿Hay algún mensaje que quieres transmitir a tu público por medio de tu pintura?
R: Con mi pintura no quisiera condicionar o influir a nadie, el observador ha de ser libre ante una obra. En los temas que toco la muerte y la fugacidad de la existencia humana están casi siempre presentes pero lo más importante es que el observador pueda conservar la libertad de interpretar, soñar y gozar.

P: Tu pintura se la podría englobar dentro de un estilo hiperrealista, ¿Por que eligió este estilo esta forma de expresión en particular?
R: Me sale del alma. Es lo más sincero que se hacer.

P: ¿Tus enseñanzas o estudios te han influido a la hora de realizar tus pinturas y elegir un estilo propio?
R: En absoluto, quizás sólo mi profesor de dibujo de la Facultad de Alonso Cano de Granada Don Juan Pedraza, sea el único docente en el cual yo haya visto la forma más sincera y consecuente de la enseñanza, consistente en disciplina, constancia y alejamiento de gustos personales y modas efímeras a favor del puro desarrollo y educación de la percepción visual. La magia en una obra, la emoción, el carácter, el espíritu, lo pone el propio artista a través de sus vivencias y nivel intelectual y aquí no hay Facultad de Bellas Artes que valga.

P: ¿Realizas investigaciones antes de comenzar a desarrollar una obra?
R: Sí, mis bocetos por curioso que parezca son simplísimos, me baso en la combinación de formas elementales como esferas, triángulos, cuadrados, líneas, manchas y combinaciones de color …etc.

P: Nos podías hablar del procedimiento que empleas en tus obras. Preparación, desarrollo y acabado.
R: Se trata de un proceso bastante laborioso y prolongado. Utilizo la fotografía y el ordenador pero lo que realmente cuenta es la capacidad que tiene el artista de transformar la frivolidad y la rigidez de la fotografía en la poesía de la pintura.

P: ¿Que sientes cuando has terminado una obra? Algunos artistas dicen que una obra nunca se acaba totalmente sino que simplemente decides darla por terminada, ¿que piensas a ese respecto?
R: Efectivamente, una obra nunca está acabada. Ojalá pudiésemos los artistas plasmar al cien por cien todo lo que se nos pasa por la cabeza. Cuando “finalizo” una obra ya estoy pensando en lo que voy a pintar después y procuro que aún sea mejor.

P: ¿Tienes obras inacabadas? R: Sí.

P: ¿Tienes pensado dedicar al arte toda tu vida? R: Sí.

P: ¿Has tenido malos momentos artísticos en los que hubieras decidido dejarlo todo?
R: He pasado por momentos horribles. Pero aunque por muy mal que lo pase seguiré pintando ya que soy muy orgulloso y para lo demás no soy tan bueno.

P: ¿Tienes algún reto o meta que te gustaría alcanzar?
R: Sí, ser feliz y el resto prefiero reservármelo.

P: Unas cuestiones rápidas:
Un artista: Imposible tengo muchos. Sería como preguntarme “un color”.
Una ciudad: También es imposible. Granada, Amsterdam, Weimar, San Petersburgo, Berlin, Albarracín …etc
Un sueño: ser feliz

P: De todo tu trabajo, ¿cual es tu obra favorita o la que más cariño tienes?
R: Dos obras:
“El Rapto de Ganímedes” pues es la obra que tira a la basura todo lo que aprendí en la *Bauhaus Universtät y me reencontré a mi mismo. “Hansel y Gretel” con la cual me siento espiritualmente identificado.
*(nada tiene que ver la Bauhaus de hoy con la de los magistrales Kandinsky, Gropius, Van de Velde …etc de los años 20)

P: Actualmente, ¿nos podrías dar un adelanto sobre lo que estas trabajando?
R: He comenzado una serie de dibujos titulada “Los Dibujos Negros”. Dos de ellos ya los he puesto en mi ficha personal, “Hansel y Gretel" 220 x 130 cm”y “Rotkäpchen" 230 x 120 cm. Los escenarios que he escogido son los románticos bosques de Turingia. Espero que os gusten.

P: Tienes alguna anécdota que quisieras compartir con todos nosotros?
R: No, simplemente agradecer vuestro interés y desearos muchísimo éxito con el proyecto de Meseon.
Un cordial y afectuoso saludo.

Muchas gracias a ti Jorge, por dedicarnos unos minutos de tu tiempo para realizar esta entrevista, y esperamos igualmente que alcances tus metas y sueños.

Vídeo: Ever is over all, 1997.

Pipilotti Rist: "Intentamos construir visiones que la gente pueda experimentar con todo su cuerpo, porque los mundos virtuales no pueden sustituir la necesidad de percepciones sensuales."

Una de las obras más conocidas de la artista Suiza es su vídeo de doble proyección llamado "Ever is over all", del año 1997. En este vídeo podemos ver a una mujer joven con un vestido azul, zapatos rojos y una gigante flor metálica llamada "Hurgón", con la cual va golpeando los cristales de los coches que están aparcados a su paso. (Ver vídeo superior). En el segundo vídeo aparece un jardín repleto de Hurgones rojos. Todo esto acompañado de una música que nos va hipnotizando.

Generalmente sus vídeos van acompañados de otros elementos como sofás, sillas, mandos, flores etc que hacen al espectador partícipe de su obra. La música hipnótica crea una atmósfera que contribuye a una nueva experiencia por parte del espectador, invitándoles a participar de la obra, ya sea admirando sus vídeos paseándose entre ellos, así como a tomar asiento.

Bibliografía: Art Now, Taschen.

Barcaza (barge) de Robert Rauschenberg

Curioseando y navegando por la página del Museo Guggenheim de Bilbao, he encontrado una sección que me ha parecido muy interesante. Según he podido ver, el museo tiene secciones en su web donde habla y explica algunas de sus obras dentro de la colección permanente.

Así, si queréis conocer mas acerca de la obra "Barcaza" de Robert Rauschenberg solamente tenéis que mirar la información dada por el museo:

"Barcaza, es un lienzo de más de nueve metros de anchura, es la más grande de sus pinturas serigrafiadas. Esta monumental obra en blanco, negro y gris incorpora muchos de los motivos que Rauschenberg utilizó reiteradamente en sus 79 serigrafías: el medio urbano, atletas, el vuelo y la exploración del espacio, los medios de transporte y algunos ejemplos de la historia del arte". Leer más...

Además hay una sección con vídeo y audio, ficha técnica de la obra, biografía del autor, etc.. para que conozcáis más de cerca a la obra y a su autor.

Visto en la web del Museo Guggenheim de Bilbao (spain)