La Galería Nacional en Londres y la Galería Nacional de Escocia, dos de los museos más importantes del Reino Unido, están tratando de recaudar más de US$184 millones para adquirir dos obras del pintor renacentista italiano Tiziano.

Las pinturas, Diana y Acteón y Diana y Calisto, pertenecen desde hace siglos a una rica familia de la aristocracia británica y se han estado exhibiendo en la Galería Nacional de Escocia en calidad de préstamo desde 1945.

Pero su actual dueño, Francis Ronald Egerton, duque de Sutherland, ha decidido vendérselas a las galerías por el precio de 50 millones de libras esterlinas (US$92 millones) cada una. Los especialistas señalan que la oferta es una ganga, si se tiene en cuenta que el precio estimado de ambos cuadros en el mercado sería el triple.

El duque les ha dado de plazo a las galerías hasta el 31 de diciembre para que reúnan la mitad del dinero, con el que podrían comprar Diana y Acteón, y, si lo logran, les garantiza que dentro de cuatro años les venderá Diana y Calisto por la misma cantidad.

Colección Bridgewater

Las dos pinturas forman parte de la famosa Colección Bridgewater, propiedad del duque, que se exhibe en su totalidad en la galería de Edimburgo, la capital escocesa. La colección, que tiene un valor estimado de cerca de US$2.000 millones, reúne 28 obras maestras del Renacimiento, entre ellas tres pinturas de Rafael, una de Rembrandt, una de Van Dyck, una de Tintoretto y dos más de Tiziano.

Como incentivo, el duque ha prometido que si las instituciones compran los dos cuadros, el préstamo del resto de la colección a la Galería Nacional de Escocia se extenderá por otros 21 años. Diana y Acteón y Diana y Calisto se exhibirían de forma rotativa, cada cinco años, en Londres y Edimburgo.

"La Colección Bridgewater es el préstamo más importante de pinturas de los Grandes Maestros a cualquier museo público del mundo", señaló el director de la galería escocesa, John Leighton.

"Para nosotros, perder Diana y Acteón sería como para el Museo del Louvre, en París, perder la Mona Lisa o para la Galería de los Oficios, en Florencia, sus obras de Botticelli", le dijo Leighton a la BBC.


BBC Mundo

Partes de una gigantesca y delicadamente esculpida estatua en mármol del emperador romano Marco Aurelio fueron descubiertas en una excavación arqueológica en Turquía.

Los fragmentos de la escultura se hallaron en las ruinas de la antigua ciudad de Sagalassos. Marco Aurelio reinó desde el año 161 al 180 de nuestra era. Además de por sus logros como emperador, Marco Aurelio es recordado por sus escritos, por los cuales es considerado uno de los más importantes filósofos estoicos. Los restos de la pieza arqueológica fueron desenterrados del cuarto más grande en el baño romano de Sagalassos.

La sala -construida en forma de cruz, de 1.250 metros cuadrados de superficie y cubierta de mosaicos- era utilizada probablemente como "frigidarium", un cuarto con una piscina de agua fría en la cual los asistentes podían sumergirse tras un baño caliente. El lugar resultó parcialmente destruido durante un terremoto entre el año 540 y el 620, reduciéndolo prácticamente a escombros.

Galería imperial

Los arqueólogos han estado excavando este sector de los baños por 12 años. Los trabajos son parte de un proyecto mayor que abarca a toda la antigua ciudad, que en su momento fue un importante centro regional. El año pasado, el equipo liderado por el profesor Marc Waelkens, de la Universidad Católica de Leuven en Bélgica, desenterró fragmentos de una colosal escultura de mármol del emperador Adriano.

Este mes, los arqueólogos hallaron una inmensa cabeza y un brazo perteneciente a Faustina la Mayor, esposa del emperador Antonio Pío.Los científicos ahora piensan que el cuarto albergaba una galería con las figuras de la "Dinastía Antonina", los gobernantes de origen ibérico que lideraron el Imperio Romano durante el segundo siglo de nuestra era.

Una obra exquisita

La gigantesca cabeza de Marco Aurelio, de aproximadamente un metro de altura, presenta los característicos ojos saltones y la barba del emperador. Waelkens afirma que las pupilas están mirando hacia arriba "como si estuviera en un acto de profunda contemplación, muy adecuado para un gobernante que era más filósofo que soldado".

También agregó que es una de las más acabadas representaciones que se conocen de este emperador romano. La estatua presenta unas exquisitas botas militares decoradas con piel de león, zarcillos y escudos de amazonas. El torso probablemente estaba cubierto con una armadura de bronce rellena con terracota o madera. Cuando la bóveda colapsó con el terremoto, el torso probablemente explotó bajo la presión de los escombros.

Visto en BBC Mundo

Unos dibujos totalmente desconocidos realizados por Dalí han sido rescatados de la caja de un banco en Buffalo, New York. Durante más de tres decadas han estado guardados, haciendo que nadie supiese de su existencia.

Estos 15 dibujos y bocetos pertenecían al Dr. Edmund Klein el cual trato en secreto al artista surrealista devido a una alteración en la piel. El doctor era un famoso dermatologo y especialista en cancer de piel. Como pago por su ayuda, en vez de dinero Dali realizó los dibujos los cuales fueron guardados en el banco.

Según palabras de su esposa, Dalí dibujo un bello angel en todos los trabajos por que el artista consideraba a Klein como su angel guardian, dandole ayuda médica y consejos.

Visto en Artdaily

Sense of space, Anxiety

Esta semana por medio del Circuit Festival de Barcelona (International Gay and Lesbian event), nos llegan dos exposiciones en torno al arte contemporaneo. La 1ª "Género 2", nos propone un diálogo historico, filosófico, antropológico y artístico alrededor de la transformación de género, y la 2ª "Art Pride" que a través de la galería Artevistas nos muestra una exposición colectiva que tomará como principal punto de inspiracción la sexualidad, la androginia y otros temas en torno al universo gay y lésbico.

La inauguración de las exposiciones será hoy a las 20:00 y 22:00 respectivamente, lo que dará lugar al comienzo de una ruta artístico-performativa para todo aquel dispuesto a sumergirse en estos eventos.

Visto en Circuit Festival.

Hoy tenemos la ocasión de charlar y conocer más de cerca a Arianna Rosso, artista plástica ubicada en Chile.



P: Hola Arianna, para comenzar a conocerte un poco más, hablanos de ti, de tu infancia y de tu vida en Chile.
R: Soy hija única, de familia Italiana, muy matriarcal en la forma y machista de fondo. Estudié en la Scuola Italiana de Santiago y entre el 73 y el 76 vivimos en Italia por razones más prácticas que políticas. La experiencia de Italia a los 8 y 9 años fue tremendamente marcadora, llena de los increíbles paisajes de la costa de la Liguria, aprovechamos de conocer Roma, Firenze, Pisa, en ese momento descubrí el Arte. Fue una época muy feliz, junto a mi mamá para todos lados. Mi padre poeta y profesor de castellano no se adaptó a la vida en Europa trabajando en otro oficio y finalmente regresamos a Chile.

P: ¿Siempre estuviste interesada en las artes? ¿Crees que tu familia marco tu inclinación hacia el arte o siempre ha sido algo que has llevado dentro?
R: No recuerdo una vida sin Arte, si bien, hacia atrás familiarmente no hay “artistas de profesión” creo que esto se debe a factores más bien históricos, mi familia materna eran gente de campo, luego emigraron a Chile, lo mismo con mi rama Paterna, todo era práctico, había que generar dinero rápido… eran comerciantes.
En estas generaciones más holgadas han ido apareciendo entre los primos, actrices, músicos, cantantes, plásticos… (y uno que otro ingeniero comercial.)
Claro, lo llevo dentro y es de familia.

P: ¿Recuerdas cuál fue el primer contacto que tuviste con un pincel? ¿Tu primer contacto con la pintura?
R: Si, fue en el colegio, siempre se trabajaba con medios al agua: temperas, acuarelas, crayones o marcadores, pero yo quería conocer el óleo así que el profesor de arte me indicó qué materiales comprar e hice un primer estudio en grises, NO ME GUSTÓ lo encontré complicado y no se secaba nunca. Después cambié de opinión al ver que el color no se opacaba y sigo pintando al óleo hasta hoy.


P: A través de tu trabajo en meseon hemos visto que has pasado a lo largo de los años por diferentes etapas (figurativa, abstracta, ..) hasta llegar a la actual, ¿qué te quedas de cada una de ellas?
R: Cuando estudié arte, mi especialidad fue el dibujo. Siempre me fascinó la forma, y la destreza de dar tres dimensiones al papel plano, pero a la vez, el color en si mismo y por si mismo me encantaba. Esa dicotomía sigue hasta hoy. Las etapas figurativas han sido intentos por lograr que el dibujo y la pintura se encuentren en un solo espacio. Pero sucede que siempre hay uno que gana y otro que pierde en esa batalla, por eso el dibujo se fue separando de la pintura y la pintura se volvió abstracta, puro color. Hay una etapa de obras experimentales en el 2006 que es interesante ya que el dibujo y la pintura se superponen en capas de papeles y plásticos transparentes, ahí no se anulan sino que conviven.

P: En tu arte, vemos una constante que se repite “la pintura”, ¿Practicas otra técnicas? ¿por qué?
R: Dibujo y pintura son los tópicos, también hago fotografía, la que utilizo como registro de los paisajes y entornos que inspiran mi obra actual. He hecho algunas incursiones en instalación, pero me siento más cómoda e interpretada en la pintura. También he hecho danza que es otro medio de expresión diferente. Pronto sacaré una edición de grabados para generar una dinámica diferente a la pintura.

P: ¿Tienes algún mensaje a transmitir a las personas que contemplan tu obra?
R: Sólo tenemos que sentir a la naturaleza en movimiento fluyendo entre nuestros pies, cuando corremos entre las piedras, sintiendo el frio de la nieve en las manos o el calor que se desprende del suelo en las tardes de verano o el cristal empañado cuando afuera llueve… no es un paisaje, es la sensación del paisaje y nuestro movimiento en él; los paisajes y sobretodo el frio, pueden desaparecer…


P: Actualmente, tu trabajo se caracteriza por un marcado expresionismo, lleno de fuerza y color, ¿hay algún artista que haya influido fuertemente en tu obra?
R: La etapa del 2004–5 está marcada fuertemente por Marc Rothko, sus colores, su certeza, la vibración, la simpleza y potencia de su obra me conmovieron profundamente, en Sao Paulo y Buenos Aires tuve oportunidad de poder ver algunos de sus trabajos en vivo y la experiencia fue maravillosa. Sin embargo yo tengo una energía que aparece contenida en estas obras, sobretodo en Prima Materia, lo que me lleva a buscar un cambio dejando espacio a la gestualidad. Bueno, ahí aparecen varios pintores expresionistas que me gustan mucho, de los clásicos, Turner, Van Gogh, luego Pollok, Tomlin, la transvanguardia italiana, etc. y evidentemente la búsqueda continúa, no se detiene ya que hay que llegar a tu propia pintura y la meta sólo está en ti mismo, tomando en cuenta además que nosotros mismos estamos en una constante dinámica de cambio, que la vida misma es cambio, la búsqueda no tiene límites.

P: ¿Realizas investigaciones antes de comenzar a desarrollar una obra?
R: Desde que comienzas a trabajar en serio en tu obra todo es una investigación, cuando miro dibujos de niña, les encuentro sentido y los rescato, si no estás atento a los signos, así como un científico está atento a lo que aparece en su microscopio, un hallazgo puede pasar inadvertido. Si te haces caso, te investigas a ti mismo, obtienes resultados. La obra actual es producto de esa atención en el “azar” ya que los deshechos de las paletas de pintura (de papel vegetal) dieron origen a los bocetos con los cuáles me encuentro construyendo las nuevas telas.

P: Nos podrías hablar del procedimiento que empleas en tus obras. Preparación, desarrollo y acabado.
No hay recetas de cocina, la regla de oro es utilizar buenos materiales el resto es saber pintar. Un tiempo utilicé acrílico como una capa previa, pero lo dejé, a veces utilizo algunas resinas acrílicas para preparar la tela y dar algo de relieve pero siguen siendo óleos sobre tela, todo el color es óleo.

P: ¿Qué sientes cuando has terminado una obra? Algunos artistas dicen que una obra nunca se acaba totalmente sino que simplemente decides darla por terminada, ¿qué piensas a ese respecto?
R: Cuando termino una pintura es siempre un alivio… cada trabajo terminado es la solución a un “problema”, entendido como propuesta plástica y no es que se sufra al pintar, pero casi… como en la danza, si no duele no estás dando todo.
Trabajo las obras hasta que me gustan, insisto e insisto hasta que me gustan, así, darla por terminada es personal y relativo, sobretodo en la pintura abstracta o semi abstracta. Sin embargo, cuando decido que está terminada muy rara vez retomo un cuadro, aunque haya cosas que me molesten, sobretodo si es una pintura muy antigua, ya no siento la conexión con el trabajo, es como de otra persona; sin embargo modifico cosas de series actuales, que están en curso, dentro del año o dos años…

P: ¿Tienes obras inacabadas?
R: Actualmente no, sólo las que estoy trabajando que son como 7.

P: ¿Has tenido malos momentos artísticos en los que hubieras decidido dejar de lado el mundo del arte?
R: Por supuesto, creo que todos hemos pasado por nuestras crisis personales, sobretodo cuando me separé y no sabía si podría vivir de esto, de hecho todavía no se si puedo… Pero esto es un problema práctico y no vocacional.

P: ¿Tienes algún reto o meta que te gustaría alcanzar?
R: Viajar por todo el mundo con mi obra.

P: Unas cuestiones rápidas:
Un artista: Tiene que ser plástico?..... No? Qué bueno! John Lennon
Una ciudad: Taormina
Un sueño: Amar siempre

P: De todo tu trabajo, ¿cuál es tu obra favorita o a la que más cariño tienes?
R: De cariño: No está publicada, se llama Gabriela, era una modelo que teníamos en la escuela de Arte, le tomé unas fotos y las revelé después de varios años. Cuando retomé la pintura después del nacimiento de mi primer hijo (no había podido pintar en meses) pinté una pequeña obra de 30 x 40 con una foto de Gabriela en violetas y verdes claros. la tengo a la entrada de mi casa ella da la bienvenida y despide.


P: ¿Nos podrías dar un adelanto sobre lo que estas trabajando actualmente?
R: Bueno, He hablado de los últimos trabajos salpicadamente a lo largo de la entrevista… ¿Viste la exposición “MANCHAS” en Meseon? No es eso, pero de ahí parte…

P: Para terminar, ¿tienes alguna anécdota que quisieras compartir con todos nosotros?
R: Tenía 15 años y una vez estaba haciendo unos afiches para una disertación de biología para el colegio, me gustaba mucho esa materia y pensaba estudiar algo relacionado con eso. Descuidadamente mi papá pasa por mi lado y me dice… “parece que te entretienes más pintando los carteles que estudiando bilogía”. Al otro día me fui a inscribir en un curso de dibujo de la municipalidad e hice mi primera muestra colectiva ese mismo año en el Instituto Cultural de las Condes.

Arianna, muchas gracias por tu tiempo. Desde meseon te deseamos lo mejor y que tus metas se cumplan.