Unos dibujos totalmente desconocidos realizados por Dalí han sido rescatados de la caja de un banco en Buffalo, New York. Durante más de tres decadas han estado guardados, haciendo que nadie supiese de su existencia.

Estos 15 dibujos y bocetos pertenecían al Dr. Edmund Klein el cual trato en secreto al artista surrealista devido a una alteración en la piel. El doctor era un famoso dermatologo y especialista en cancer de piel. Como pago por su ayuda, en vez de dinero Dali realizó los dibujos los cuales fueron guardados en el banco.

Según palabras de su esposa, Dalí dibujo un bello angel en todos los trabajos por que el artista consideraba a Klein como su angel guardian, dandole ayuda médica y consejos.

Visto en Artdaily

Hoy tenemos la ocasión de charlar y conocer más de cerca a Arianna Rosso, artista plástica ubicada en Chile.



P: Hola Arianna, para comenzar a conocerte un poco más, hablanos de ti, de tu infancia y de tu vida en Chile.
R: Soy hija única, de familia Italiana, muy matriarcal en la forma y machista de fondo. Estudié en la Scuola Italiana de Santiago y entre el 73 y el 76 vivimos en Italia por razones más prácticas que políticas. La experiencia de Italia a los 8 y 9 años fue tremendamente marcadora, llena de los increíbles paisajes de la costa de la Liguria, aprovechamos de conocer Roma, Firenze, Pisa, en ese momento descubrí el Arte. Fue una época muy feliz, junto a mi mamá para todos lados. Mi padre poeta y profesor de castellano no se adaptó a la vida en Europa trabajando en otro oficio y finalmente regresamos a Chile.

P: ¿Siempre estuviste interesada en las artes? ¿Crees que tu familia marco tu inclinación hacia el arte o siempre ha sido algo que has llevado dentro?
R: No recuerdo una vida sin Arte, si bien, hacia atrás familiarmente no hay “artistas de profesión” creo que esto se debe a factores más bien históricos, mi familia materna eran gente de campo, luego emigraron a Chile, lo mismo con mi rama Paterna, todo era práctico, había que generar dinero rápido… eran comerciantes.
En estas generaciones más holgadas han ido apareciendo entre los primos, actrices, músicos, cantantes, plásticos… (y uno que otro ingeniero comercial.)
Claro, lo llevo dentro y es de familia.

P: ¿Recuerdas cuál fue el primer contacto que tuviste con un pincel? ¿Tu primer contacto con la pintura?
R: Si, fue en el colegio, siempre se trabajaba con medios al agua: temperas, acuarelas, crayones o marcadores, pero yo quería conocer el óleo así que el profesor de arte me indicó qué materiales comprar e hice un primer estudio en grises, NO ME GUSTÓ lo encontré complicado y no se secaba nunca. Después cambié de opinión al ver que el color no se opacaba y sigo pintando al óleo hasta hoy.


P: A través de tu trabajo en meseon hemos visto que has pasado a lo largo de los años por diferentes etapas (figurativa, abstracta, ..) hasta llegar a la actual, ¿qué te quedas de cada una de ellas?
R: Cuando estudié arte, mi especialidad fue el dibujo. Siempre me fascinó la forma, y la destreza de dar tres dimensiones al papel plano, pero a la vez, el color en si mismo y por si mismo me encantaba. Esa dicotomía sigue hasta hoy. Las etapas figurativas han sido intentos por lograr que el dibujo y la pintura se encuentren en un solo espacio. Pero sucede que siempre hay uno que gana y otro que pierde en esa batalla, por eso el dibujo se fue separando de la pintura y la pintura se volvió abstracta, puro color. Hay una etapa de obras experimentales en el 2006 que es interesante ya que el dibujo y la pintura se superponen en capas de papeles y plásticos transparentes, ahí no se anulan sino que conviven.

P: En tu arte, vemos una constante que se repite “la pintura”, ¿Practicas otra técnicas? ¿por qué?
R: Dibujo y pintura son los tópicos, también hago fotografía, la que utilizo como registro de los paisajes y entornos que inspiran mi obra actual. He hecho algunas incursiones en instalación, pero me siento más cómoda e interpretada en la pintura. También he hecho danza que es otro medio de expresión diferente. Pronto sacaré una edición de grabados para generar una dinámica diferente a la pintura.

P: ¿Tienes algún mensaje a transmitir a las personas que contemplan tu obra?
R: Sólo tenemos que sentir a la naturaleza en movimiento fluyendo entre nuestros pies, cuando corremos entre las piedras, sintiendo el frio de la nieve en las manos o el calor que se desprende del suelo en las tardes de verano o el cristal empañado cuando afuera llueve… no es un paisaje, es la sensación del paisaje y nuestro movimiento en él; los paisajes y sobretodo el frio, pueden desaparecer…


P: Actualmente, tu trabajo se caracteriza por un marcado expresionismo, lleno de fuerza y color, ¿hay algún artista que haya influido fuertemente en tu obra?
R: La etapa del 2004–5 está marcada fuertemente por Marc Rothko, sus colores, su certeza, la vibración, la simpleza y potencia de su obra me conmovieron profundamente, en Sao Paulo y Buenos Aires tuve oportunidad de poder ver algunos de sus trabajos en vivo y la experiencia fue maravillosa. Sin embargo yo tengo una energía que aparece contenida en estas obras, sobretodo en Prima Materia, lo que me lleva a buscar un cambio dejando espacio a la gestualidad. Bueno, ahí aparecen varios pintores expresionistas que me gustan mucho, de los clásicos, Turner, Van Gogh, luego Pollok, Tomlin, la transvanguardia italiana, etc. y evidentemente la búsqueda continúa, no se detiene ya que hay que llegar a tu propia pintura y la meta sólo está en ti mismo, tomando en cuenta además que nosotros mismos estamos en una constante dinámica de cambio, que la vida misma es cambio, la búsqueda no tiene límites.

P: ¿Realizas investigaciones antes de comenzar a desarrollar una obra?
R: Desde que comienzas a trabajar en serio en tu obra todo es una investigación, cuando miro dibujos de niña, les encuentro sentido y los rescato, si no estás atento a los signos, así como un científico está atento a lo que aparece en su microscopio, un hallazgo puede pasar inadvertido. Si te haces caso, te investigas a ti mismo, obtienes resultados. La obra actual es producto de esa atención en el “azar” ya que los deshechos de las paletas de pintura (de papel vegetal) dieron origen a los bocetos con los cuáles me encuentro construyendo las nuevas telas.

P: Nos podrías hablar del procedimiento que empleas en tus obras. Preparación, desarrollo y acabado.
No hay recetas de cocina, la regla de oro es utilizar buenos materiales el resto es saber pintar. Un tiempo utilicé acrílico como una capa previa, pero lo dejé, a veces utilizo algunas resinas acrílicas para preparar la tela y dar algo de relieve pero siguen siendo óleos sobre tela, todo el color es óleo.

P: ¿Qué sientes cuando has terminado una obra? Algunos artistas dicen que una obra nunca se acaba totalmente sino que simplemente decides darla por terminada, ¿qué piensas a ese respecto?
R: Cuando termino una pintura es siempre un alivio… cada trabajo terminado es la solución a un “problema”, entendido como propuesta plástica y no es que se sufra al pintar, pero casi… como en la danza, si no duele no estás dando todo.
Trabajo las obras hasta que me gustan, insisto e insisto hasta que me gustan, así, darla por terminada es personal y relativo, sobretodo en la pintura abstracta o semi abstracta. Sin embargo, cuando decido que está terminada muy rara vez retomo un cuadro, aunque haya cosas que me molesten, sobretodo si es una pintura muy antigua, ya no siento la conexión con el trabajo, es como de otra persona; sin embargo modifico cosas de series actuales, que están en curso, dentro del año o dos años…

P: ¿Tienes obras inacabadas?
R: Actualmente no, sólo las que estoy trabajando que son como 7.

P: ¿Has tenido malos momentos artísticos en los que hubieras decidido dejar de lado el mundo del arte?
R: Por supuesto, creo que todos hemos pasado por nuestras crisis personales, sobretodo cuando me separé y no sabía si podría vivir de esto, de hecho todavía no se si puedo… Pero esto es un problema práctico y no vocacional.

P: ¿Tienes algún reto o meta que te gustaría alcanzar?
R: Viajar por todo el mundo con mi obra.

P: Unas cuestiones rápidas:
Un artista: Tiene que ser plástico?..... No? Qué bueno! John Lennon
Una ciudad: Taormina
Un sueño: Amar siempre

P: De todo tu trabajo, ¿cuál es tu obra favorita o a la que más cariño tienes?
R: De cariño: No está publicada, se llama Gabriela, era una modelo que teníamos en la escuela de Arte, le tomé unas fotos y las revelé después de varios años. Cuando retomé la pintura después del nacimiento de mi primer hijo (no había podido pintar en meses) pinté una pequeña obra de 30 x 40 con una foto de Gabriela en violetas y verdes claros. la tengo a la entrada de mi casa ella da la bienvenida y despide.


P: ¿Nos podrías dar un adelanto sobre lo que estas trabajando actualmente?
R: Bueno, He hablado de los últimos trabajos salpicadamente a lo largo de la entrevista… ¿Viste la exposición “MANCHAS” en Meseon? No es eso, pero de ahí parte…

P: Para terminar, ¿tienes alguna anécdota que quisieras compartir con todos nosotros?
R: Tenía 15 años y una vez estaba haciendo unos afiches para una disertación de biología para el colegio, me gustaba mucho esa materia y pensaba estudiar algo relacionado con eso. Descuidadamente mi papá pasa por mi lado y me dice… “parece que te entretienes más pintando los carteles que estudiando bilogía”. Al otro día me fui a inscribir en un curso de dibujo de la municipalidad e hice mi primera muestra colectiva ese mismo año en el Instituto Cultural de las Condes.

Arianna, muchas gracias por tu tiempo. Desde meseon te deseamos lo mejor y que tus metas se cumplan.

Damien Hirst famoso artista conceptual británico enormemente conocido por sus polémicas obras de arte como sus famosos tiburones, cebras y unicornios en formol ha decidido poner un gran número de sus obras (unas 223 obras) a subasta a través de la famosa Sotheby's: "Beautiful Inside My Head Forever".

Lo que realmente llama la atención, es que el artista ha dejado de lado a sus marchantes Jay Jopling y Larry Gagosian, lo que ha suscitado diferentes críticas tanto a favor como en contra. Según palabras del artista esta decisión ""es la evolución natural del arte contemporáneo"".

Lo que no cabe duda respecto a Hirst es su gran dote comercial ya que es uno de los artistas vivos más ricos y cotizados del mercado. Las cifras que esperan obtener para el 14 y 15 de septiembre rondan entre los 82 y 114 millones de euros lo que haría ponerle a la cabeza. Tendremos que esperar para ver lo que sucede.

Visto en el País.

Como es de suponer, todos conoceréis a la polémica y controvertida artista Tracey Emin. Esta artista nacida en Londres va generando escándalo y controversia por donde pasa. En esta ocasión nos acercaremos a su obra a través de "Every Part of Me's Bleeding".

Como podemos ver en la imagen, esta instalación esta compuesta por diferentes objetos u obras en si mismas, así la obra se compone de: "Soba Sex" 1999 palabras escritas en neon; La polémica "My Bed" 1998 en la que podemos ver una cama deshecha y sucia, llena de desperdicios y objetos como libros, botellas, condones, pañuelos y una soga; "The history of Painting" 1998, con tres test de embarazo, píldoras, tampones, sangre y pañuelos de papel, y para terminar tenemos otro letrero luminoso con la frase "My Cunt is wet with Fear" 1998.

¿Como entender está obra? Aquí os dejo un trozo de escrito encontrado en la web de la artista hablándonos acerca de la misma:

"The work itself is not as interesting as the effect it has upon the public. Our prurient juices might flow, arousing entanglements of distance, desire and voyeurism. We might dismiss it outright, incredulous that such a base and brazen display gets attention as Art. We might see the work as the necessary weapon of an heroic victim, the bloodied sword of a warrior in the sex and gender wars. We might stand aside as it incites the critics to criticize and the media to mediate, thereby establishing a market value for itself. Finally, the idea of meeting her at a party might make us nervous."

("El trabajo en si mismo no es tan interesante como el efecto que causa en el publico. Nuestros juicios lascivos deberían fluir, excitando los enredos en la distancia, el deseo y el voyerismo. Nosotros podríamos rechazarlo rotundamente, incrédulamente, en eso se basa, exponiéndolo descaradamente como arte. Nosotros podríamos ver el trabajo como el arma necesaria para una víctima heroica, la ensangrentada espada en una guerra de sexo y género. Nosotros podríamos permanecer a un lado, como lo que incita las criticas a criticar y los medios de comunicación a mediar, de ese modo, establecer un mercado de valor para ellos mismos. Finalmente la idea de conocerla en una fiesta nos podría poner nerviosos.")