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Dibujos deconocidos de Dali descubiertos

2008-08-07T10:46:06Z

Unos dibujos totalmente desconocidos realizados por Dalí han sido rescatados de la caja de un banco en Buffalo, New York. Durante más de tres decadas han estado guardados, haciendo que nadie supiese de su existencia.

Estos 15 dibujos y bocetos pertenecían al Dr. Edmund Klein el cual trato en secreto al artista surrealista devido a una alteración en la piel. El doctor era un famoso dermatologo y especialista en cancer de piel. Como pago por su ayuda, en vez de dinero Dali realizó los dibujos los cuales fueron guardados en el banco.

Según palabras de su esposa, Dalí dibujo un bello angel en todos los trabajos por que el artista consideraba a Klein como su angel guardian, dandole ayuda médica y consejos.

Visto en Artdaily

Circuit Festival Barcelona 08

2008-08-06T10:03:20Z

Sense of space, Anxiety

Esta semana por medio del Circuit Festival de Barcelona (International Gay and Lesbian event), nos llegan dos exposiciones en torno al arte contemporaneo. La 1ª "Género 2", nos propone un diálogo historico, filosófico, antropológico y artístico alrededor de la transformación de género, y la 2ª "Art Pride" que a través de la galería Artevistas nos muestra una exposición colectiva que tomará como principal punto de inspiracción la sexualidad, la androginia y otros temas en torno al universo gay y lésbico.

La inauguración de las exposiciones será hoy a las 20:00 y 22:00 respectivamente, lo que dará lugar al comienzo de una ruta artístico-performativa para todo aquel dispuesto a sumergirse en estos eventos.

Visto en Circuit Festival.

Entrevista: Arianna Rosso

2008-08-04T09:09:00Z

Hoy tenemos la ocasión de charlar y conocer más de cerca a Arianna Rosso, artista plástica ubicada en Chile.

Arianna Rosso: Sólo tenemos que sentir a la naturaleza en movimiento fluyendo entre nuestros pies, cuando corremos entre las piedras, sintiendo el frio de la nieve en las manos o el calor que se desprende del suelo en las tardes de verano o el cristal empañado cuando afuera llueve… no es un paisaje, es la sensación del paisaje y nuestro movimiento en él; los paisajes y sobretodo el frio, pueden desaparecer…

P: Hola Arianna, para comenzar a conocerte un poco más, hablanos de ti, de tu infancia y de tu vida en Chile.
R: Soy hija única, de familia Italiana, muy matriarcal en la forma y machista de fondo. Estudié en la Scuola Italiana de Santiago y entre el 73 y el 76 vivimos en Italia por razones más prácticas que políticas. La experiencia de Italia a los 8 y 9 años fue tremendamente marcadora, llena de los increíbles paisajes de la costa de la Liguria, aprovechamos de conocer Roma, Firenze, Pisa, en ese momento descubrí el Arte. Fue una época muy feliz, junto a mi mamá para todos lados. Mi padre poeta y profesor de castellano no se adaptó a la vida en Europa trabajando en otro oficio y finalmente regresamos a Chile.

P: ¿Siempre estuviste interesada en las artes? ¿Crees que tu familia marco tu inclinación hacia el arte o siempre ha sido algo que has llevado dentro?
R: No recuerdo una vida sin Arte, si bien, hacia atrás familiarmente no hay “artistas de profesión” creo que esto se debe a factores más bien históricos, mi familia materna eran gente de campo, luego emigraron a Chile, lo mismo con mi rama Paterna, todo era práctico, había que generar dinero rápido… eran comerciantes.
En estas generaciones más holgadas han ido apareciendo entre los primos, actrices, músicos, cantantes, plásticos… (y uno que otro ingeniero comercial.)
Claro, lo llevo dentro y es de familia.

P: ¿Recuerdas cuál fue el primer contacto que tuviste con un pincel? ¿Tu primer contacto con la pintura?
R: Si, fue en el colegio, siempre se trabajaba con medios al agua: temperas, acuarelas, crayones o marcadores, pero yo quería conocer el óleo así que el profesor de arte me indicó qué materiales comprar e hice un primer estudio en grises, NO ME GUSTÓ lo encontré complicado y no se secaba nunca. Después cambié de opinión al ver que el color no se opacaba y sigo pintando al óleo hasta hoy.

El Tarot de los Brujos, 2006

P: A través de tu trabajo en meseon hemos visto que has pasado a lo largo de los años por diferentes etapas (figurativa, abstracta, ..) hasta llegar a la actual, ¿qué te quedas de cada una de ellas?
R: Cuando estudié arte, mi especialidad fue el dibujo. Siempre me fascinó la forma, y la destreza de dar tres dimensiones al papel plano, pero a la vez, el color en si mismo y por si mismo me encantaba. Esa dicotomía sigue hasta hoy. Las etapas figurativas han sido intentos por lograr que el dibujo y la pintura se encuentren en un solo espacio. Pero sucede que siempre hay uno que gana y otro que pierde en esa batalla, por eso el dibujo se fue separando de la pintura y la pintura se volvió abstracta, puro color. Hay una etapa de obras experimentales en el 2006 que es interesante ya que el dibujo y la pintura se superponen en capas de papeles y plásticos transparentes, ahí no se anulan sino que conviven.

P: En tu arte, vemos una constante que se repite “la pintura”, ¿Practicas otra técnicas? ¿por qué?
R: Dibujo y pintura son los tópicos, también hago fotografía, la que utilizo como registro de los paisajes y entornos que inspiran mi obra actual. He hecho algunas incursiones en instalación, pero me siento más cómoda e interpretada en la pintura. También he hecho danza que es otro medio de expresión diferente. Pronto sacaré una edición de grabados para generar una dinámica diferente a la pintura.

P: ¿Tienes algún mensaje a transmitir a las personas que contemplan tu obra?
R: Sólo tenemos que sentir a la naturaleza en movimiento fluyendo entre nuestros pies, cuando corremos entre las piedras, sintiendo el frio de la nieve en las manos o el calor que se desprende del suelo en las tardes de verano o el cristal empañado cuando afuera llueve… no es un paisaje, es la sensación del paisaje y nuestro movimiento en él; los paisajes y sobretodo el frio, pueden desaparecer…

Rojo y Negro

P: Actualmente, tu trabajo se caracteriza por un marcado expresionismo, lleno de fuerza y color, ¿hay algún artista que haya influido fuertemente en tu obra?
R: La etapa del 2004–5 está marcada fuertemente por Marc Rothko, sus colores, su certeza, la vibración, la simpleza y potencia de su obra me conmovieron profundamente, en Sao Paulo y Buenos Aires tuve oportunidad de poder ver algunos de sus trabajos en vivo y la experiencia fue maravillosa. Sin embargo yo tengo una energía que aparece contenida en estas obras, sobretodo en Prima Materia, lo que me lleva a buscar un cambio dejando espacio a la gestualidad. Bueno, ahí aparecen varios pintores expresionistas que me gustan mucho, de los clásicos, Turner, Van Gogh, luego Pollok, Tomlin, la transvanguardia italiana, etc. y evidentemente la búsqueda continúa, no se detiene ya que hay que llegar a tu propia pintura y la meta sólo está en ti mismo, tomando en cuenta además que nosotros mismos estamos en una constante dinámica de cambio, que la vida misma es cambio, la búsqueda no tiene límites.

P: ¿Realizas investigaciones antes de comenzar a desarrollar una obra?
R: Desde que comienzas a trabajar en serio en tu obra todo es una investigación, cuando miro dibujos de niña, les encuentro sentido y los rescato, si no estás atento a los signos, así como un científico está atento a lo que aparece en su microscopio, un hallazgo puede pasar inadvertido. Si te haces caso, te investigas a ti mismo, obtienes resultados. La obra actual es producto de esa atención en el “azar” ya que los deshechos de las paletas de pintura (de papel vegetal) dieron origen a los bocetos con los cuáles me encuentro construyendo las nuevas telas.

P: Nos podrías hablar del procedimiento que empleas en tus obras. Preparación, desarrollo y acabado.
No hay recetas de cocina, la regla de oro es utilizar buenos materiales el resto es saber pintar. Un tiempo utilicé acrílico como una capa previa, pero lo dejé, a veces utilizo algunas resinas acrílicas para preparar la tela y dar algo de relieve pero siguen siendo óleos sobre tela, todo el color es óleo.

P: ¿Qué sientes cuando has terminado una obra? Algunos artistas dicen que una obra nunca se acaba totalmente sino que simplemente decides darla por terminada, ¿qué piensas a ese respecto?
R: Cuando termino una pintura es siempre un alivio… cada trabajo terminado es la solución a un “problema”, entendido como propuesta plástica y no es que se sufra al pintar, pero casi… como en la danza, si no duele no estás dando todo.
Trabajo las obras hasta que me gustan, insisto e insisto hasta que me gustan, así, darla por terminada es personal y relativo, sobretodo en la pintura abstracta o semi abstracta. Sin embargo, cuando decido que está terminada muy rara vez retomo un cuadro, aunque haya cosas que me molesten, sobretodo si es una pintura muy antigua, ya no siento la conexión con el trabajo, es como de otra persona; sin embargo modifico cosas de series actuales, que están en curso, dentro del año o dos años…

P: ¿Tienes obras inacabadas?
R: Actualmente no, sólo las que estoy trabajando que son como 7.

P: ¿Has tenido malos momentos artísticos en los que hubieras decidido dejar de lado el mundo del arte?
R: Por supuesto, creo que todos hemos pasado por nuestras crisis personales, sobretodo cuando me separé y no sabía si podría vivir de esto, de hecho todavía no se si puedo… Pero esto es un problema práctico y no vocacional.

P: ¿Tienes algún reto o meta que te gustaría alcanzar?
R: Viajar por todo el mundo con mi obra.

P: Unas cuestiones rápidas:
Un artista: Tiene que ser plástico?..... No? Qué bueno! John Lennon
Una ciudad: Taormina
Un sueño: Amar siempre

P: De todo tu trabajo, ¿cuál es tu obra favorita o a la que más cariño tienes?
R: De cariño: No está publicada, se llama Gabriela, era una modelo que teníamos en la escuela de Arte, le tomé unas fotos y las revelé después de varios años. Cuando retomé la pintura después del nacimiento de mi primer hijo (no había podido pintar en meses) pinté una pequeña obra de 30 x 40 con una foto de Gabriela en violetas y verdes claros. la tengo a la entrada de mi casa ella da la bienvenida y despide.

De la serie Manchas, 2008.

P: ¿Nos podrías dar un adelanto sobre lo que estas trabajando actualmente?
R: Bueno, He hablado de los últimos trabajos salpicadamente a lo largo de la entrevista… ¿Viste la exposición “MANCHAS” en Meseon? No es eso, pero de ahí parte…

P: Para terminar, ¿tienes alguna anécdota que quisieras compartir con todos nosotros?
R: Tenía 15 años y una vez estaba haciendo unos afiches para una disertación de biología para el colegio, me gustaba mucho esa materia y pensaba estudiar algo relacionado con eso. Descuidadamente mi papá pasa por mi lado y me dice… “parece que te entretienes más pintando los carteles que estudiando bilogía”. Al otro día me fui a inscribir en un curso de dibujo de la municipalidad e hice mi primera muestra colectiva ese mismo año en el Instituto Cultural de las Condes.

Arianna, muchas gracias por tu tiempo. Desde meseon te deseamos lo mejor y que tus metas se cumplan.

Mirando a través de Van Gogh

2008-07-31T17:12:00Z

Análisis avanzados de Rayos-X revelan la existencia de un retrato de mujer, debajo de un paisaje "Patch of Grass" de Vincent Van Gogh. Esta técnica trae un avance sin precedentes, ya que nos muestra los estratos inferiores de pintura con un detalle nunca antes visto.

Como es bien conocido, Van Gogh reutilizaba muchas de sus obras volviendo a pintar encima de ellas, se cree que hasta un treinta por ciento de sus pinturas podrían tener otros cuadros ocultos. Esta nueva técnica nos podría mostrar obras anteriores acercándonos más al artista y a sus etapas pictóricas. Así mismo, podría resultar de gran ayuda a los historiadores para el conocimiento de otros artistas.

La obra en cuestión, fue pintada por Van Gogh en París en 1887 la cual es propiedad del Kröller-Müller Museum. Tras unos análisis previos, se descubrieron unas vagas líneas dibujando una cabeza detrás de la pintura. Así, la obra volvió a ser escaneada con el pequeño haz de partículas durante dos días sobre un espacio de 17.5 x 17.5 cm, dejando al descubierto la cabeza de mujer. Más información.

Visto en Kröller-Müller Museum

Historias de la Fotografía

2008-07-30T21:22:09Z

En 1839, Louis Daguerre inventó la primera tecnología práctica para producir lo que hoy llamamos "fotografías". De un modo perfectamente apropiado, se
llamaban "daguerrotipos". El proceso era complicado y caro, y el campo estaba por tanto limitado a profesionales y a unos pocos aficionados ricos y fervorosos.
(Había incluso una Sociedad Estadounidense de Daguerre que ayudaba a regular la industria, del mismo modo que lo hacen todas las asociaciones semejantes,
manteniendo la competencia en lo mínimo para mantener bien altos los precios).

Sin embargo, a pesar de los precios altos, la demanda de daguerrotipos era fuerte. Esto animó a los inventores a encontrar formas más sencillas y
baratas de producir "imágenes automáticas". William Talbot pronto descubrió un proceso para hacer "negativos". Pero debido a que los negativos eran de cristal y
tenían que estar siempre húmedos, el proceso era todavía caro y engorroso. En los setenta se desarrollaron placas secas, facilitando el separar la toma de fotografías del revelado. Había aún placas de cristal, y por tanto no era todavía un proceso al alcance de los aficionados.

El cambio tecnológico que hizo posible la fotografía como fenómeno de masas no ocurrió hasta 1888, y fue obra de un solo hombre. George Eastman, él mismo fotógrafo aficionado, estaba frustrado con la tecnología de placas para tomar fotografías. En un fogonazo (digámoslo así) de genialidad, Eastman vio que si se podía lograr que la película fuese flexible, podía quedar sujeta en torno a un solo eje. Ese rollo podía ser enviado más tarde a un estudio de revelado, lo cual disminuiría sustancialmente los costes de la fotografía. Bajando los costes Eastman esperaba que pudiera ampliar drásticamente la población de fotógrafos.

Eastman desarrolló películas flexibles hechas de papel bañado en una emulsión y lo colocó en pequeños rollos en cámaras pequeñas y sencillas: la
Kodak. El aparato se lanzó al mercado enfatizando su sencillez de uso. "Apriete un botón y nosotros haremos todo lo demás".
[...]

Por veinticinco dólares cualquiera podía hacer fotos. La cámara venía ya cargada con la película, y cuando se había usado se devolvía a una fábrica Eastman, donde se revelaba. Con el tiempo, por supuesto, se mejoraron tanto el coste de la cámara como la facilidad con la que podía usarse. La película de rollo se convirtió, por tanto, en la base de la explosión en el crecimiento de la fotografía popular. La cámara de Eastman salió a la venta por primera vez en 1888; un año más tarde, Kodak estaba pasando al papel más de seis mil negativos al día. Entre 1888 y 1909, mientras que la producción industrial crecía al 4.7%, las ventas de equipo y material fotográfico lo hicieron al 11%. Las ventas de la Kodak durante el mismo periodo experimentaron un incremento medio anual de más del 17%.

La importancia real del invento de Eastman, sin embargo, no era económica. Era social. La fotografía profesional permitía que los individuos vislumbraran lugares que no verían de otras formas. La fotografía amateur les daba la capacidad de registrar sus propias vidas de una manera en la que no podían haberlo hecho antes. Como Brian Coe apunta: " Por primera vez, el album de fotos le daba a la persona de la calle el registro permanente de su familia y sus actividades. [...] Por primera vez en la historia hay un verdadero registro visual de la apariencia y las actividades de las personas normales sin ninguna interpretación ni tendenciosidad".

Fragmento del imprescindible Free Culture de Lawrence Lessig.

Damien Hirst se pone a subasta

2008-07-30T09:23:00Z

Damien Hirst famoso artista conceptual británico enormemente conocido por sus polémicas obras de arte como sus famosos tiburones, cebras y unicornios en formol ha decidido poner un gran número de sus obras (unas 223 obras) a subasta a través de la famosa Sotheby's: "Beautiful Inside My Head Forever".

Lo que realmente llama la atención, es que el artista ha dejado de lado a sus marchantes Jay Jopling y Larry Gagosian, lo que ha suscitado diferentes críticas tanto a favor como en contra. Según palabras del artista esta decisión ""es la evolución natural del arte contemporáneo"".

Lo que no cabe duda respecto a Hirst es su gran dote comercial ya que es uno de los artistas vivos más ricos y cotizados del mercado. Las cifras que esperan obtener para el 14 y 15 de septiembre rondan entre los 82 y 114 millones de euros lo que haría ponerle a la cabeza. Tendremos que esperar para ver lo que sucede.

Visto en el País.

Hablando sobre arte: Tracey Emin

2008-07-28T08:59:42Z

Como es de suponer, todos conoceréis a la polémica y controvertida artista Tracey Emin. Esta artista nacida en Londres va generando escándalo y controversia por donde pasa. En esta ocasión nos acercaremos a su obra a través de "Every Part of Me's Bleeding".

Como podemos ver en la imagen, esta instalación esta compuesta por diferentes objetos u obras en si mismas, así la obra se compone de: "Soba Sex" 1999 palabras escritas en neon; La polémica "My Bed" 1998 en la que podemos ver una cama deshecha y sucia, llena de desperdicios y objetos como libros, botellas, condones, pañuelos y una soga; "The history of Painting" 1998, con tres test de embarazo, píldoras, tampones, sangre y pañuelos de papel, y para terminar tenemos otro letrero luminoso con la frase "My Cunt is wet with Fear" 1998.

¿Como entender está obra? Aquí os dejo un trozo de escrito encontrado en la web de la artista hablándonos acerca de la misma:

"The work itself is not as interesting as the effect it has upon the public. Our prurient juices might flow, arousing entanglements of distance, desire and voyeurism. We might dismiss it outright, incredulous that such a base and brazen display gets attention as Art. We might see the work as the necessary weapon of an heroic victim, the bloodied sword of a warrior in the sex and gender wars. We might stand aside as it incites the critics to criticize and the media to mediate, thereby establishing a market value for itself. Finally, the idea of meeting her at a party might make us nervous."

("El trabajo en si mismo no es tan interesante como el efecto que causa en el publico. Nuestros juicios lascivos deberían fluir, excitando los enredos en la distancia, el deseo y el voyerismo. Nosotros podríamos rechazarlo rotundamente, incrédulamente, en eso se basa, exponiéndolo descaradamente como arte. Nosotros podríamos ver el trabajo como el arma necesaria para una víctima heroica, la ensangrentada espada en una guerra de sexo y género. Nosotros podríamos permanecer a un lado, como lo que incita las criticas a criticar y los medios de comunicación a mediar, de ese modo, establecer un mercado de valor para ellos mismos. Finalmente la idea de conocerla en una fiesta nos podría poner nerviosos.")

Algunas cifras de meseon

2008-07-14T12:56:45Z

Recientemente acabamos de alcanzar algunas cifras redondas que nos gustaría compartir. En los pocos meses desde que se inicio el proyecto, meseon este ya aloja más de 4000 obras de arte, registra cerca de 500 usuarios, 300 de los cuales son artistas, se han publicado más de 200 noticias o eventos, se pueden disfrutar de más de 100 exposiciones virtuales, y se han realizado más de 10.000 votaciones.

Muchas gracias a todos, que tanto nos estáis ayudando a construir meseon.

Por nuestra parte en los próximos meses esperamos ofreceros algunas novedades que seguro os van a gustar. Y si teneis cualquier duda, o sugerencia de característica que os gustaría incluyese meseon, la venta de arte está en camino ;), no dudeis en comentarnoslo.

Entrevista: CarneServida

2008-07-08T09:48:35Z

Hoy tenemos la ocasión de charlar y aproximarnos a la obra de Fernando Lozada y Antonio Marsiglio, ambos pertenecientes al grupo de artistas argentinos CarneServida (web personal).

CarneServida:

"Un nexo común entre las obras es la revalorización de la carne y por ende de la vida, porque creemos que la única certeza que poseemos los hombres es que somos de carne y estamos vivos."

P: Hola Antonio y Fernando. Para comenzar y conoceros un poco mejor, hablarnos un poco de cada uno y de como decidisteis formar vuestro conjunto artístico. ¿Como surge la idea de formar CarneServida? ¿Fue una iniciativa creada por parte de ambos?

R: El grupo CarneSerVida surge aproximadamente a principios del 2005, pero como entidad, ya que informalmente como amigos veníamos trabajando juntos en el aspecto filosófico desde tiempo atrás y teníamos en “cocción” la idea de formalizar un grupo de arte contemporáneo. En esa afinidad se encuentra: el arte, el humor desprejuiciado, la valorización de la vida, el compromiso social y una fluida interacción científico-tecnológica.
Fue una iniciativa común a partir de encontrarnos con la posibilidad técnica de preservar tejido orgánico. Nos interesó aplicar esta tecnología al arte partiendo del enfoque filosófico que te decíamos.

P: Como ya os habrán preguntado muchas veces, ¿por que usar carne? ¿no podríais expresar lo mismo con otros materiales?

R: El elemento distintivo dentro de la obra es la carne, ya que creemos que es el mejor material para expresar por medio de una lente existencialista la realidad. Encontramos que existe con este elemento un potencial ilimitado de juego entre sus connotaciones culturales y la resignificación artística, con lo cual obtenemos el significado simbólico de la obra. La carne es el único patrimonio directo de la vida, lo que esta hecho de carne está vivo o alguna vez lo estuvo, es por eso que su manipulación nos produce placer porque nos acerca a nuestra esencia. Nos atrae también, la reacción irracional que le provoca al espectador enfrentarse con la carne desnuda, a pesar de que seguramente está acostumbrado a consumirla cómo alimento y es carne el único elemento que a el lo compone.

Carne, Abuso e Infancia

P: ¿Que queréis expresar o comunicar por medio de vuestro trabajo?
R: Con nuestra obra buscamos romper estructuras políticas, religiosas y culturales arraigadas históricamente. Por eso con rebeldía y humor tratamos de trasmitir lo absurdo de los prejuicios y tabúes.
Un nexo común entre las obras es la revalorización de la carne y por ende de la vida, porque creemos que la única certeza que poseemos los hombres es que somos de carne y estamos vivos.
Cómo nuestro arte nace de lo conceptual encabezamos con un manifiesto la obra, donde creemos que se expresa claramente lo antes dicho.
¡Sólo carne somos!
Carne que goza, carne que piensa, carne que sufre, carne que ama, carne que destruye, carne que siente, carne que crea, carne que vive.
El pensamiento es carne, el sentimiento es carne, las sensaciones son carne, el deseo es carne, el espíritu es carne, la carne es vida y la vida es también carne.
El tiempo son nuestras vivencias impresas en la carne.
Vivimos entre la carne, por la carne y a través de la carne.
La carne es la esencia y el sentido.
La vida es el trajín de la carne, que se manifiesta en arte.
Porque el arte expresa al hombre.
Y el hombre, solo es carne.

P: Algunas de vuestras obras podrían “dañar” algunas sensibilidades, ¿tenéis contemplada esta posibilidad? ¿o ya contabais con ello?

R: La palabra “dañar” tal vez es muy fuerte. Diríamos mejor conmover. Y si, somos totalmente concientes de que conmovemos y de hecho lo buscamos, así de esa manera poder transmitir más eficientemente el concepto. Un amigo sociólogo nos comentaba que hacíamos “filosofía visual” y que era muy efectiva ya que las personas con solo ver la obra, les guste o no, se van pensando.

P: ¿Cual es la obra, según creéis, que más ha “dañado” o provocado al público?
R:Las dos mas polémicas por lo que nos han escrito en los libros de visitas son Carne, Abuso e Infancia y Club de Paris.

Club de Paris

P: Personalmente, una de las obras que más me ha impactado ha sido “Club de Paris”, ¿podríais hablarnos un poco de ella?
R: Tenemos que referirnos al año 2001 en Argentina específicamente ciudad de Rosario provincia de Santa Fe. En plena crisis política de la que se escribió y se enviaron imágenes terribles por todo el mundo. Entre otras de las noticias que circulaban era que en la ciudad de Rosario se comían a los gatos. Una de las razones importantes de la crisis económica del país era la deuda con organismos como El Club de Paris y el FMI.

P: ¿Que tipo de carne empleáis?¿Estaríais dispuestos a usar carne humana?
R: Hemos empleado hasta ahora carne de vaca, cerdo, gato, pescado, cordero y gallina. Estamos realizando en este momento una obra con humanos.

P: Me imagino que conoceréis la exposición “bodies”, en la que utilizan cuerpos humanos para conocer y saber más acerca de la anatomía humana. Como sabréis, hay personas que están en contra de esta práctica, vosotros.. ¿que opináis al respecto? ¿donaríais vuestros cuerpos a esta causa?

R: Nos parece que el cuerpo no merece ninguna reverencia cuando no está vivo. Salvo el valor sentimental que suelen tener los deudos, como lo podrían tener con una foto o cualquier otra pertenencia del muerto.
Como lo de bodies lo vemos como un negocio (no como una causa), si nos pagan no tenemos inconveniente.

P: Cambiando un poco de tema, ¿nos podríais explicar la técnica que empleáis?

R: La técnica para conservar la carne imputrecible e indemne en su apariencia, consiste en retirar por medios termoquímicos (algunos artefactos construidos por nosotros) todos los fluidos orgánicos, luego el tejido adiposo, para mas tarde reemplazar a ambos por un polímero, el cual funcionará como sustento físico y también actuará como barrera aislante del tejido proteico que deseamos conservar. Este debería permanecer inalterable en condiciones normales por un período de tiempo similar al de una obra clásica.
Nosotros elaboramos las muestras como una obra, tal vez este sea otro elemento distintivo. O sea, primero pensamos casi en su totalidad la muestra con un prolongado debate conceptual y estético. De hecho es esa etapa una de las de mas prolongada duración. Luego comenzamos a hacer una a una las obras. Las proyectamos y comenzamos el proceso de tratamiento de la carne. Este último puede llevar entre dos o cuatro meses dependiendo de su tamaño y la cantidad de lípidos que posea. Una vez tratada la carne la fotografiamos para poder manipular digitalmente la imagen y analizar así los colores y formas de los elementos que la acompañarán. A través de software de modelado tridimensional y simulación mecánica logramos proyectar la obra antes de realizarla. Luego construimos las partes que acompañan a la carne y armamos el proceso final. Claro que con el fin de optimizar procesos obteniendo mejores tiempos y calidad, agrupamos a distintas tareas comunes de distintas obras. Se seleccionan aquellas tareas que se enviaran a mano de obra calificada externa, se prepara la documentación con las especificaciones constructivas y de calidad, después de ejecutadas se auditan para comprobar que se obtuvieron los resultados deseados. Ejemplo, cortes y grabado láser, ploteados, baños electroquímicos de piezas metálicas, etc.

P: ¿Realizáis investigaciones antes de realizar una obra?
R: Si en distintos aspectos dependiendo de la obra. En algunos casos investigamos sobre el concepto a tratar en la obra, en otros sobre los materiales auxiliares a la carne, en otros sobre imágenes asociadas a la obra, etc.

P: De todo vuestro trabajo, ¿cual es la obra favorita o a la que más cariño tenéis?
R: Carne y Sentimiento, y Carne, Abuso e Infancia

P: En que estáis trabajando en la actualidad, ¿nos podríais dar un adelanto?

R: Trabajamos siempre en varios proyectos en paralelo, esto es debido al tiempo que demora el proceso químico que le realizamos a la carne. Por un lado una muestra-obra-instalación donde tu entras a un cubículo tipo morgue, esta muestra esta referida a la idea del endeble limite entre lo vivo y lo no vivo. Un poco como el Frankenstein de Mary Shelley. Una muestra de armas hechas con carne en referencia a la violencia urbana. Una muestra de diversas obras con carne de pescado apuntando hacia el expolio que se hace del mar. Y lo que te comentábamos de carne humana, pero este por ahora es un súper secreto.

Carne, hambre y ambición

P: Para terminar, ¿Tenéis alguna anécdota que quisieras compartir con todos nosotros?

R: En nuestras muestras el comportamiento de los asistentes siempre fue bipolar. Logramos un fuerte impacto en la gente. Lo apreciamos en lo que nos dicen y nos escriben en el libro de visitas, que siempre termina lleno. Nos ponen comentarios como: “genial!!! Esto realmente es arte” “muy creativo” o “ espantoso! Que mal gusto! Esto no es arte” e incluso uno nos puso “ENFERMOS llámenme (y nos puso su numero de celular) así les doy una paliza”. Incluso a veces se generan verdaderas discusiones en el libro de visitas ya que uno escribe contestando sobre lo que escribe otro. En una muestra que realizamos en una feria internacional de arte (enlace a vídeos) vimos como una pobre mujer anciana intentaba huir con su andador de nuestro stand a pasos de tortuga y con un gesto de horror en su rostro. Hemos observado que la franja etaria en la cual tenemos muy buena aceptación y fans es entre los 15 y 30 años.

Muchas gracias por vuestro tiempo y os deseamos lo mejor desde meseon.

Exposición Walter Eugene Smith

2008-07-03T13:05:00Z

Hace unos días estuve con Silvia en la exposición fotográfica Más real que la realidad de Walter Eugene Smith.
La exposición nos permite disfrutar de un amplio recorrido por algunos de los más famosos ensayos fotográficos del autor. El formato de la exposición es perfecto para dejarte sumergir en la historia que nos quiere contar W.Eugene Smith, siempre de la mano de sus obsesiones.
Una gran exposición para la descomunal calidad del trabajo de W.E Smith. No puedo más que recomendar a todo el que esté por Madrid hasta el 27 de Julio, que se pase a verla.
Por mi parte no pude dejar pasar la oportunidad de comprar el libro sobre el trabajo del autor. El libro promete, y su formato amplio permite disfrutar del genial trabajo de W.E Smith.